El Cono del Encono

Mudanza

2010-06-06T22:09:00.004-03:00

Asi que "El cono del encono: palabras cobre cine y música"?
Bueno, en este 2010 los caminos de la vida blogueril, si es que eso existe, se abrieron hacia otros sitios.

Esto es un bingo! blog de crítica de cine que me invitó a formar parte de sus filas (lo cual acepté gustoso), y en el que actualmente participo con la periodicidad que me caracteriza.
Al tuntún proyecto craneado con el amigo David Obarrio para despuntar el vicio rapeando sobre "músicas, lecturas y algunas otras cosas".

El viejo y querido Cono, entonces, se mantendrá inactivo hasta nuevo aviso. Los espero en:
www.estoesunbingo.com.ar
www.alltuntun.wordpress.com

The return of The King

2010-03-24T16:08:00.013-03:00

Mi primera estrella de rock favorita fue Eric Cantona. El tocaba en el Manchester United, que es un equipo inglés de futbol. Siempre fue un jugador distinto a los demás; erigido como un coloso intimidaba desde el césped tanto por su gesto de ogro como por su magistral pegada. Porque Eric en la cancha rockeaba, era un performer de cuello levantado. Frente al arco era un ganador nato, la ponía donde quería.

Cantona siempre estuvo más allá de todo. Su principal distintivo, su seña particular y marca registrada, era ese cuellito de la camiseta que elevaba en la parte trasera. Todo un detalle ese cuellito. En la canchita del barrio uno repetía ese gesto, pero no para comprobar si acaso de esa forma podía mágicamente recibir los dotes futbolísticos de Eric. No, nada que ver: simplemente esa imitación era un guiño, un tributo silencioso, casi una marca ideológica. Era el signo de pertenencia a una secta cautiva, aquella de los adoradores de Eric. Progresivamente, los cuellos (me refiero a las solapas tipo chomba) fueron desapareciendo de los diseños de las camisetas de fútbol que con el tiempo cada vez se acercaron más a los cortes de la indumentaria del atletismo (sino vean como le queda la celeste y blanca a Demichelis). Temporada a temporada esta tendencia resultó mucho más notoria en los diseños del Manchester que, acaso como en un homenaje inconsciente, desde que se fue Eric, y especialmente a partir de que Nike pasó a hacer la ropa en lugar de Umbro, borró ese tipo de cuello de sus modelos.

Como Zidane, Cantona era un francés al que el ying y el yang le funcionaban en random. Ambos histeriqueaban constantemente de un lado a otro por esa delgada línea que los podía ubicar en el cielo o el infierno, en una oscilación permanente entre la sutileza y la violencia más arrebatada. Unos border, bah. Pero si bien Zidane siempre fue medio bizarro, se sabía esconder bien detrás de su juego elegante y fue recién en su último acto mundialista donde el grueso del público se terminó de enterar de la recurrencia con la que los patitos se le salían de la fila. Eric, en cambio, venía signado como un loco lindo hacía ya rato, desde aquella inolvidable flyng kick directa al pecho de un hincha del Crystal Palace que nos condenó a nueve meses sin poder disfrutar de Cantona en las canchas. Estos dos franceses se definen en esencia por un desequilibrio similar, sólo que que cada uno edificó su carrera en extremos diferentes. Este contraste es incluso efectivo si enfrentamos sus imágenes para definirlos a través de los uniformes que los hicieron célebres. Por un lado la camiseta blanca, pulcra y aristocrática del Real Madrid, y por el otro el color rojo endemoniado de los Red Devils. Además Cantona nunca jugó un Mundial, no tuvo esa canonización de la Copa Mundial FIFA de la que sí gozó Zizou. Y es que eso no era para Eric, que siempre fue un artista maldito.

Desde que las camisetas de fútbol incorporaron a su diseño el nombre del jugador identificándolo con un número (lo cual se instaló a partir del Mundial Usa´94), las casacas dejaron de ser meros uniformes para volverse trajes de superhéroes. Esto impulsó a que las marcas realicen campañas publicitarias que con el tiempo se volvieron auténticos clásicos de la memoria futbolera. En el caso de Cantona, recuerdo aquel resplandor publicitario olímpico e infernal donde Nike, que toma su nombre de la diosa de la victoria según la mitología griega, lo ponía mano a mano con el diablo. Y aunque en la actualidad un poco disfruto de los spots que salen periódicamente -como el de Jogo Bonito donde la marca de la pipa lo muestra como un gurú retirado, un sensei arrogante- en verdad cada tanto prefiero escarbar algún recuerdo de aquel tiempo en el que Cantona era un superhéroe en actividad, viñetas que siempre se fugarán al presente para continuar vigentes en la memoria de los que supimos vivir semana a semana sus aventuras. De los que seguro que cuando vimos el partido homenaje a Maradona, íntimamente sabíamos que lo hacíamos por Eric, para verlo jugar un ratito y gritamos a full cuando convirtió su gol. Porque Cantona siempre fue una especie de híbrido entre rey y superhéroe; un tótem adorable de acciones fantásticas que, tal como ocurre en las más tradicionales monarquías, debe ser venerado de por vida.

Cosas que uno piensa mientras espera ver Looking for Eric, de Ken Loach.

Ojos de videogame

2010-02-13T14:55:00.010-03:00

La auténtica afición por los videojuegos se manifiesta en largas tandas frente a la pantalla que no distinguen de mañana, tarde o noche. Son sesiones en las que el jugador elige su propia aventura ya sea enfrentando colosos, atravesando carreteras o metiendo goles con Carlitos Tevez. Este despunte del vicio es la esencia que moviliza a la música de los Go- Neko! Ellos no tienen canciones, sino que ceden la totalidad del terreno a la música. Carecen de letras, como si en los estertores de su instrumentación maratónica buscaran poder ser la banda de sonido perfecta para una jornada de joystick.

Go neko! Una especie de documental es un pequeño recorte en la vida de Tom, el Peta, Pipe, Mariano y Manu. La música que se obtiene al recitar este coro de nombres brinda un certero indicio de que estamos ante una banda de barrio; flacos que viven en casas, se conocen por pertenecer a la misma familia, juegan en cuero a la pelota y toman birra del pico. Ah, y, por supuesto, le dan duro a la Playstation. En este clima de confianza desfilan las anécdotas, las instantáneas de los músicos preparando algún show y los amigos, como Santiago Motorizado.

Como en una perfecta traducción en imágenes del sonido de la banda, la directora María Luque mantiene en la filmación, durante los casi 40 minutos de esta especie de documental, un pulso flotante que desemboca progresivamente en furiosa explosión. En una escena, el reflejo de los cinco Nekos sobre la pantalla de un televisor se corta cuando, por fin, logran sintonizar el menú inicial del Winning eleven. El brazo de Tom, acérrimo futbolero académico, celebra alzándose victorioso. Vamos los pibes!

“Go neko! Una especie de documental” puede verse on-line acá, o bajarse de la web oficial de la banda

Los lanzallamas

2010-02-13T14:42:00.011-03:00

Prietto Viaja al Cosmos con Mariano - Pronoise Sessions

Rec. Desde su voz, Maxi Prietto le da mecha a sonidos guturales, es como un Damo Suzuki con menos de crooner y más del vuelo de un niño. Las emotivas letras (“Son cosas que guardo en la almohada antes de dormir, recuerdos para día en el que no quiera estar vivo”, “Y ahora lo que queda es el recuerdo, que sólo vive en mí. Yo sé que vos ni te acordás.”) toman carrera en los latidos de la batería de Mariano, flotan en sus coros y estallan en la incinerante estridencia de la viola de Prietto.

El impulso de estas Pronoise sessions hace que, como en sus shows en vivo, el dúo haga fluír cada canción en la siguiente. En el medio, ambas partes coquetean, juegan un rato. Aparece el baile primitivo y las invocaciones en idiomas inciertos hasta que el flirteo alcanza su cometido cuando nuestros oídos identifican alguna melodía o letra conocida que, no obstante, instantáneamente es sometida a la deformación de la zapada.

Las sesiones grabadas para este disco son el registro documental de dos pibes que se prenden fuego rockeando. Lejos de la parsimonia del fogón, estos dos son auténticos lanzallamas. Pero su performance no es una combustión autista, sino que es una ceremonia ardiente y de entrada libre. Prietto ruge: “¡Vamos, vamos!, ¡¡¡Vamos allá!!!” invitándonos, como supo hacer Morrison, a pasar al otro lado. Esperame, Maxi.

¿Qué es el fútbol?

2009-12-17T02:09:00.029-03:00

Zidane, un portrait du 21e siècle (2006)
Fútbol y “cine moderno”. Dedicado al compañero David.

Hace poco Walter Erviti , volante del Banfield campeón, hizo una declaración -con la que tuve en principio un desacuerdo que luego se fué disolviendo- que representa la más adecuada definición para Zidane (el futbolista y la película): “Con el tiempo te vas dando cuenta que en el fútbol no es necesario correr los noventa minutos. En un partido sólo hay dos o tres pelotas que pueden resultar determinantes y que debes saber aprovechar para desequilibrar”. Acaso una de las mayores expresiones alcanzadas por el fútbol, el juego de Zinedine Zidane es el arma cautiva de un guerrero (en el sentido del término que enseña el Don Juan de Castaneda) que se define en la conciencia de saber que con un solo ataque basta, si éste es letal.

En Zidane, un portrait du 21e siècle, ZZ se vuelve objeto de la cámara que sigue por toda la cancha su cuerpo enfundado en el blanco uniforme del Real Madrid. Cada plano se detiene en sus distintos movimientos con la voluntad del más aguerrido stopper. Los jugadores del Villareal están de amarillo, oficiando de rivales y antagonistas. Los cuerpos de los jugadores se cruzan, se confrontan, chocan con Zidane. El partido de fútbol representado como una lucha de luchadores es una órbita en la que la silueta de Zizou pareciera estar suspendida delante de la multitud de espectadores que funcionan como telón de fondo. Cuando, al fin, la pelota llega a sus pies, ZZ despliega un basto catálogo de sutilezas que detona el inmediato aplauso desde las tribunas.

Los primeros planos encuadran su gesto adusto y su mirada de reptil. Monitorea el juego, está al acecho. Los planos detalle descansan en su particular forma de trotar (muy pocas veces correr); arrastrando la puntita de los pies al finalizar su carrera. Transcurren varios minutos sin que tenga contacto con la pelota. Existe cierta recurrencia de Zidane en alzar su vista hacia la iluminación del estadio, como siguiendo un haz de luz. Serio, sólo suelta algún “Ahí, ahí” mínimo. Luego todo es dominio de la expresión de su semblante que, al contrario de la gracia de sus movimientos con la pelota, es mayormente escasa y seca.

Zidane, un portrait du 21e siècle elude la solemnidad. No cae en la tentación del ralenti (¡horror!), ni de la musicalización pomposa ad hoc. La música compuesta por los escoceses Mogwai (caracterizada por su mambo de embotamiento acuático, sonidos para colgarse mirando una pecera) es funcional a la ambientación lograda por el seguimiento a ZZ, otorgándole a la película una entidad propia y personal, consiguiendo además que nos sumerjamos en el derrotero de Zidane dentro de la cancha.

Al mismo tiempo esta película es un documental sobre el partido entre Real Madrid y Villareal acontecido el 23 de abril de 2005. Y en los documentales siempre es materia polémica y compleja la cuestión de la responsabilidad y el grado de intervención del director sobre las imágenes filmadas. En el caso de Zidane, un portrait… el valor reside en que se puede identificar un relato construído con herramientas puramente cinematográficas. Todo lo que ocurre alrededor, todo lo que no pasa por los pies de Zidane queda en el fuera de campo (el gol rival) o en el sonido en off (los pelotazos y gritos del resto de los jugadores). La experiencia de ZZ en este partido se desarrolla a través de las instancias de cambio que se desatan en el jugador durante su búsqueda del objetivo de la victoria. En el transcurso del encuentro, en el transcurso de la película, existe tensión, un “increíble suspenso” como indica Marcos Vieytes en su crítica publicada en El amante N 179.

Las magnéticas imágenes se suceden hasta que, súbitamente como una tormenta de verano, lo que todos esperan ocurre; Zidane toma la pelota. La baja, elude a uno, a dos, corre hasta el fondo. La imagen toma vértigo. Decenas de flashes apuntan al pecho esponsoreado del astro francés (el sinónimo berreta es mi sentido homenaje al periodismo deportivo que supimos conseguir), que tira un centro que deja a toda la defensa rival pagando. Algún compañero (no sabemos cual, no importa) sólo tiene que tomarse la molestia de empujar la pelota al gol.

Como si fuese una broma de la casualidad, los últimos momentos (el desenlace) del partido y la película tienen equivalencia con aquella final del mundial Alemania 2006, en lo que fue el último partido de ZZ en la selección francesa. Para Zidane, la expulsión es un error que lo hace libre; al sacarlo de la cancha, la tarjeta roja interrumpe su demostración galáctica para devolverlo al plano de los simples mortales. La del cabezazo al pecho del villano italiano Materazzi es una imagen que, signo de estos tiempos y la gula mediática, ha sido reproducida ad infinitum hasta perder sentido. Y aún peor y además injusto, ha sido vista muchas más veces, y por un auditorio mucho más amplio, que la volea de Zizou al Bayern Leverkusen, gol de una belleza y perfección tal (¡y en una final!) que a Zidane no le quedó otra y tuvo que gritarlo.

Un novio errante

2009-12-17T02:02:00.018-03:00

Los primeros segundos de Los Amantes dejan bien en claro como vienen las cosas para Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix). Basta con verlo en ese andar dotado de marchita pesadez, llevando esa prenda de tintorería que, como si se tratara de un velo de novia, arrastra de la misma forma en la que pareciera estar cargando con su alma antes de tirarse al mar.

La actuación de Phoenix maneja sin medianías la ambivalencia sentimental y emocional que experimenta Leonard. Existen ciertas expresiones que mantiene reservadas en su actitud predominantemente hermética y que cuando se rebelan lo hacen con potente fulgor; como ocurre cuando hace pantomimas para una cliente en el negocio de sus padres o, fundamentalmente, en su baile descontrolado en el boliche. En esta escena sus movimientos frenéticos no terminan de ser agraciados ni son perfectos y es en esa imperfección donde reside su encanto.

De la noche a la mañana Leonard conocerá a Sandra (Vinessa Shaw) y a Michelle (Gwyneth Paltrow), dos mujeres que le representaran una disyuntiva entre, respectivamente, una conformidad edificada sobre continuar una vida que no es la suya y el vértigo asentado en la inestabilidad de las emociones, contraposición que transitará con extraña naturalidad. La polarización de estos dos mundos se expresará en cada rasgo de las relaciones, como por ejemplo la manera en la que conoce a ambas mujeres; una cena familiar que oficia de presentación formal y un encuentro casual en medio de una situación extraña. Pero lo que mejor documenta la naturaleza de estos extremos se observa, sin duda, en las escenas de sexo.

Con Sandra hacen el amor. Sonríen. El amanecer los encuentra abrazados con él recostado sobre ella recibiendo ese cobijo y contención que Sandra promete y representa. Con Michelle, en cambio, existe una atracción atravesada por la urgencia, casi de desesperación y desahogo. Cuando tienen sexo lo hacen de parados, en la terraza, llorando.

La terraza es una locación que en Los amantes es escenario de escenas particularmente notables. Descripción de la atracción como un espacio sin salida, la cámara encuadra a Leonard y Michelle siempre acorralados entre esas paredes de ladrillo. Ella lo quiere como amigo, sale con un hombre casado. Pareciera como si estas contrariedades no hicieran más que alimentar el deseo y la búsqueda de Leonard hacia Michelle. En cambio, la relación con Sandra será un lugar cómodo al que él siempre podrá volver.

Son especialmente significativas en la película dos miradas a cámara que apuntan al espectador, pero no en búsqueda del guiño cómplice (como sí ocurre en el plano final de Family plot o en la escena del perro muerto en el baúl de la camioneta de Funny games) sino que nos interpelan haciendo una única interrogación que se refleja en esos dos planos de ojos serios y una sobria tristeza: ¿Qué estoy haciendo? Es lo que nos preguntan Leonard en la escena final y Michelle cuando lo acepta, conscientes ambos de la inconsistencia de sus determinaciones. La pregunta se dirige “hacia afuera” porque la película de James Gray no toma partido ni ejerce juicio sobre sus personajes. No existe moraleja ni evaluación moral. La debilidad que inunda a Leonard se manifiesta en sus acciones siempre marcadas por la fragilidad, sin la fortaleza suficiente para que pueda forjar su propio devenir, que termina siendo determinado por las decisiones que toman otros sobre él. Esos otros que le ofrecen compañía, trabajo, futuro. Que lo abandonan.

Prietto viaja al cosmos con Mariano

2009-10-12T19:42:00.026-03:00

Foto por Nat Motorizada

Prietto de chico vivió en Quilmes y luego se fué a, la por entonces conocida como, Capital Federal. No se volvió a mudar y hoy trabaja en un mayorista de dulces en Zona Sur. Sabe de la pica existente entre Varela y Berazategui, aunque reconoce que Solano es más jodido. A estos datos debe sumarse que en la canción Av. Corrientes usa el término “Capital” para referirse a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, tal como hacemos todos los que no somos de Capital.

Hablando con él me contó que todavía tiene familiares en Quilmes, lo cual sumado a su trabajo hace que todo el tiempo vaya y vuelva de un lugar a otro. En ese tránsito permanente siente que no termina de asentarse en ningún sitio. Acaso asumiéndose como hombre de ningún lugar y manteniendo cierta recurrencia binaria en sus cosas es que se asocia con Mariano. El hecho de que su banda de rock (y lugar de expresión) sea un dúo no puede ser tomado como algo casual, sino que parece responder a una lógica circular. Aparejados como significado y significante (la famosa entidad de dos caras que hace al signo, según Saussure), los componentes de Prietto viaja al cosmos con Mariano encuentran cada uno en su otra mitad la medida justa como fórmula para volver posible el viaje que despegue sus pies de esta tierra orientando su norte en dirección sideral.

Rojo y azul. Así estaban iluminados Prietto y Mariano el viernes pasado en el Zaguán Sur. Encuadrados como un sistema bicolor recordaban a ese gráfico que ilustra al sistema circulatorio cuando se lo estudia en las escuelas. La analogía también alcanza equivalencia en la idea de complementación cíclica entre esas dos partes (venas y arterias; guitarra y batería) que se necesitan en forma recíproca para componer un todo vital. A través de la estridencia y cierta sensación de desahogo que caracteriza su música, las canciones de Prietto y Mariano se develan como un ejercicio de desdoblamiento catártico.

Como la luz, las canciones de aquella noche también fueron escasas. No obstante, esa corta duración fue inversamente proporcional a la intensidad del show. Había un tema con el horario, no se podía terminar tarde. La gente era mucha. La cerveza también y se tomaba del pico, porque en la barra te daban unos vasitos de plástico de ésos que anulan el ya de por sí devaluado sabor que tiene la cerveza desde un tiempo a esta parte. Abundó también el baile. Y el humo.

Después tocó La Patrulla Espacial, que propició una consistente dosis de Aeroblues para los presentes. Mariano era uno de los varios que bailaban frente al escenario. A Prietto no lo vi más. En algún lugar debía andar.

Ese impulso superior

2009-10-08T00:33:00.030-03:00

En una escena de Matador, un torero que insiste en ver una y otra vez la filmación de las embestidas que lo han dejado al margen de la práctica de su profesión descubre en esas imágenes a una mujer en la tribuna, ni más ni menos que aquella que lo obsesiona, reaccionando aterrada ante su faena. Como él, esa mujer posee el gusto por asesinar. En esa comunión compartida reside su deseo y atracción. El torero se acerca (a la imagen, a ella), la toca, la besa.

Más de veinte años después Almodóvar nos muestra a Mateo Blanco (Lluís Homar) posando sus manos sobre las imágenes de su último beso con Lena (Penélope Cruz), la mujer que amó. No importa que Mateo esté ciego, su necesidad de entrar en contacto con esas imágenes trasciende los sentidos, o la falta de ellos, como fecundada por un impulso superior.

Mediante la subjetiva del espectador frente a la pantalla esas manos se posan, lo puedo asegurar, en perfecta proporción. Como si Almodóvar hubiese tomado las nuestras posándolas sobre la pantalla dibujando el contorno sobre el fílmico satisfaciendo, de esa forma, la necesidad de aprehender esas imágenes que se nos presentan mediadas por un dispositivo técnico. Contacto que es, ni más ni menos, la experiencia misma del cine. Las manos absortas extienden sus dedos, con intensidad, con deseo, al tiempo que ondulan una caricia.

Esa relación que se establece a través del contacto con las imágenes es una facultad, dice Los abrazos rotos, que no todos poseen. Como si el mundo pudiera ser dividido entre aquellos que la detentan como si se tratase de un misterio individual, una pulsión y quienes permanecen fuera de esa experiencia.

Cuando Ernesto Martel (José Luis Gómez) ve por primera vez las imágenes filmadas por su hijo (Ray X: vouyeur omnipresente, personaje de conciencia depalmiana) exclama que no se entienden. Necesita un traductor, una lectora de labios que interprete para él aquello que habla por sí mismo, las imágenes. Esas imágenes con las que no se puede involucrar, aún ante los signos evidentes que presentan.

Ernesto Martel toma a Lena como una más de sus pertenencias. La ornamenta con joyas y lujos, la cosifica. En esa relación prima la ostentación de la abundancia, lo cualitativo no tiene competencia. Todo se mide por una cuantificación vacua, como ocurre en ese sexto polvo entre dos fantasmas cuyos cuerpos dentro de las sábanas blancas son momias que no se tocan, ni se sienten.

Al asumir Martel el rol de productor de Chicas con maletas (dirigida por Mateo, protagonizada por Lena) Almodóvar pone en escena una idealización del lugar de cada uno de los actantes al interior de la realización cinematográfica. Ese personaje nefasto y ajeno a la empatía con las imágenes toma las riendas de la financiación de la película, como único factor de poder en el que puede imponerse. Al tiempo que director y actriz se unen desarrollando la pasión que los une (el cine, su amor), concientes de saberse desenvueltos en su elemento.

Judith (Blanca Portillo) es la asistente de Mateo y se encarga de vender los guiones que él escribe luego de haber perdido la vista. Su rostro evidencia cansancio; es una mujer que grita por dentro, maquilla las marcas del pasado. Lo urgente siempre será Mateo y primará ante lo importante en una lógica regida sólo por la devoción que ella siente hacia su asistido. Cuando le confiesa a su hijo Diego que Mateo es su padre, siendo por única vez egoísta ante la necesidad de suprimir una carga de años, él (al igual que el espectador) no se sorprende, toma la noticia con naturalidad. Ese momento no intenta ser un giro, ni modificar el plano de la historia. Al contrario de Ernesto Martel, Diego ya ha percibido la evidencia de los hechos, tras tener contacto con ellos a través de unas viejas fotos de vacaciones.

Y Penélope Cruz. Penélope Cruz, Penélope Cruz, Penélope Cruz. Su semblante, a la vez pasivo y salvaje, parece estar subrayado por el fascinante ancho de sus labios. Su cuerpo, el de Lena, se entrega continuamente; vomita, actúa, coge. Toda su relación con Ernesto Martel es un sometimiento físico. Como en una estampita, aparece encumbrada dentro de ese recorte cromático autárquico que es el color rojo almodovariano, con el que tiene una correspondencia total, definitiva e invencible.

Mad Max Cola

2009-09-13T11:58:00.022-03:00

Irrefutable seña particular del Conurbano, las “gaseosas truchas” tuvieron, allá por fines de los noventa, en la “Caribe” su prócer, pionera y fundadora. Hasta tuvo promociones onda tres tapitas = un vaso. De un día para el otro, los estantes de autoservicios se volvieron murales de botellas multicromáticas plásticas que exhibían gustos infames (pomelo rosado, guaraná) y que se ocultaban detrás de etiquetas con nombres a prueba de ingenio. Estas marcas apelaban a un saber popular y colectivo: “Ráfaga”, “Fillol” (acompañada por el dibujo de un Pato) ó ”Rodrigo” son tan sólo algunas de cientas. También tenían como particularidad el ser efímeras, uno podía verlas sólo una vez y la semana siguiente serían otras nuevas las que continuarían con ese afán de paráfrasis constante. La (es vital la utilización de artículo para nombrarlas) “Córdoba” se erigió en algo así como una cabeza de ratón de esta industria y la “Goliat” llegó a ser sponsor en una tira de Adrián Suar. Con la aparición de las “marca supermercado” esta práctica se institucionalizó y hasta Coca Cola lanzó un producto de segunda línea en sabores lima y naranja: “Tai”, un asco. Sería imposible reconstruir la atribulada asociación que conectó a una de estas bebidas con Max, aquel vengador rutero encarnado por Mel Gibson. Ese mismo que encontraba en el pavimento un ring donde explotaban contiendas directas herederas de “Duel” de Steven Spielberg, que funciona como referencia explícita y es puntualmente homenajeada en la escena donde un enorme camión le cede el paso a Max. En esta película de George Miller -la primera de la trilogía- los buenos iban en cuatro ruedas y las motos oficiaban como síntesis del desequilibrio y el vandalismo. Los enfrentamientos se caracterizaban por embestidas donde los autos tenían como opción chocar de frente ó prenderse fuego y por planos de ojos desorbitados funcionando como preludio de muerte motorizada. La mala imagen (foto es otra cosa) sacada con celular que ilustra este posteo es la única evidencia que puedo presentar acerca de la fugaz existencia de la Mad Max Cola.

Nunca

2009-09-08T23:36:00.006-03:00

Y al llegar a la estación de subte, él se despidió. Titubeó un poco y saludó torpemente. "Un gusto" le dijo. Ella sonrió y dió media vuelta. Nunca habría un beso, tampoco llanto. Ni soñarían juntos.

Las enseñanzas de Don Shaman

2009-08-16T21:45:00.017-03:00

Shaman y los hombres en llamas - En el Mundo de Fuego (2008) Un amigo me habla de algunos discos que le pasé, pero se detiene particularmente en uno. Habla de cierto hipnotismo y de un deseo. Me muestra el dibujo que ilustra la portada, donde aparece un payador con rostro de un animal incierto ante un auditorio por lo menos curioso: una embarazada junto a niños disfrazados. Inocentes algunos, grotescos otros. “Y es más; yo soy ése” dice señalando a uno que tiene traje de pájaro. Y sonríe, hinchando los pómulos como hacen los chicos.

El álbum en cuestión era Diadema y fué la primera vez que recibí un comentario acerca de Shaman y los hombres en Llamas.

La figura de Shaman encarna la de un juglar que habita un western pampeano, poblado de pulperías que reciben sus canciones de melodías circulares, relatos que encienden personajes terminales y coros marca Morricone.

En el Mundo de Fuego arden payadas lisérgicas que anhelan escapes interestelares, mientras le piden al aire frío del mar tan sólo una brisa. La noche es un médium hacia el espacio; al presentarse nos cubre con ése oscuro manto estrellado que, como todos saben, funciona como muestra gratis del cosmos. La voz de Shaman es un aullido, sonido nocturno por definición, que convoca para el ascenso definitivo hacia un fogón lunar.

Escucharlo es pasar a formar parte de un auditorio crepuscular, onírico, orgullosamente transfigurado. Al tiempo que, desde el centro y como vanidoso punto de fuga, el semblante de Shaman, real, todo lo vigila con sus ojos de león.

*Shaman ofrece todos sus discos en descarga directa a través del sello virtual Mandarinas Records

Serra is a punk rocker

2009-05-03T20:53:00.007-03:00

“De entrada, debo decir que, para mí, el guión carece de importancia. En el caso de El cant dels ocells tuve que escribir un simulacro para poder presentar el proyecto a las subvenciones.” El director catalán Albert Serra es un provocador nato. Ensaya una filosa verborragia que lo lleva a declarar, por ejemplo, que si por él fuera mataría a destornilladorazos a todos los que hacen televisión, para que sufran de veras mientras desangran. Durante una de las charlas post proyección que brindó en el último Bafici, insistió en dejar claro que en su cine detrás de las imágenes no existe nada. No busca, ni tiene intención de significación alguna y mucho menos si de empatía con el espectador se trata. “Mi deseo es el de hacer un cine tan simple que, en su interior no exista ningún poso de humanismo. Un cine en el que los seres sean figuras, que no tengan connotaciones humanas. Los tres reyes no tienen nombre, ni poseen ninguna personalidad psicológica.” El cine de Serra niega cualquier tipo de apelación al público, que éste se identifique con algo de lo que suede en la pantalla. En la charla posterior a El Cant dels Ocells en Buenos Aires fué tajante: “Si esta película termina por gustarle a alguien, será por motivos puros”. Propone una vuelta del cine a su elemento, a su concepción más primal; la experiencia sensitiva de asistir a la puesta en escena de imágenes en movimiento con vitalidad cinética. Repasemos: la incómoda oscuridad de la escena nocturna de Honor de caballería, los tres reyes errando en el desierto sin que sepamos si van o vienen a través de los médanos (responsabilidad del efecto de esa imagen plana, impenetrable, que niega la profundidad de campo), ó la increíble escena lograda bajo el agua con los reyes nadando. “El principal reto de la película consistía en que el misterio estuviera en todas las imágenes, que latiera como fuerza invisible sobre lo visible. Por esto, me gusta clasificar mi película como un ejercicio de búsqueda de un lenguaje mítico. Para mí, lo mítico parte siempre de algo muy simple, tras lo cual se esconde el misterio de algo muy complejo.” Tanto la dupla Quijote/ Sancho como los Tres Reyes son personajes universales tomados para encarnar la reformulación que Serra hace de un esquema clásico como es el del camino del héroe. A través de su trayecto estos personajes no experimentan cambio alguno, no hay vindicación ni derrota. El proceso de transformación se encuentra invertido, volcado hacia el espectador que al experimentar la sumision a esos extensos planos no vuelve a ser el mismo. Según Marcos Vieytes, Serra “procura deliberadamente la irritación del público”(EA 198, Pág. 20). El espectador transita en forma exhaustiva e incómodo una travesía épica recorriendo un campo abierto y a la vez asfixiante. Los terrenos de Honor de caballería y El cant del ocells no parecen tener tiempo, ni pertenecer a espacio alguno. Señal que son eternos.

*Las frases textuales de Albert Serra se encuentran extraídas de una nota realizada para Cahiers du cinema España, Número 12, Mayo 2008

Vacaciones con Diego

2009-04-28T11:58:00.007-03:00

Lo único rescatable de Amando a Maradona (documental argentino estrenado en 2005) era su irresistible afiche: una formación de Maradonas que posaban para la foto ostentando todos los looks posibles a través de los años adoptados por el Diez. Sin embargo ese póster terminaba resultando engañoso, dado que durante el metraje no habia desarrollo de retrato alguno. Sólo algunas pocas malas anécdotas y secuencias que, con pulso clipero, mostraban la ofrenda de distintos fans. Emir Kusturica con Papá salió de Viaje de Negocios, Tiempo de Gitanos, Gato Negro/Gato Blanco y Underground filmó varias veces la misma película; aquella en la que ponía en escena su mirada de un realismo mágico y truculento sobre el pequeño universo balcánico. Este derrotero de títulos creó cierto fenómeno que repercutió en una particular fascinación por las bandas de sonido de sus películas. Tiempo después Kusturica se convertiría en guitarrista de la “No Smoking Orchestra” ejecutando gran parte de aquel repertorio. En 2005 Emir y su grupo llenaron el Luna Park. Esas imágenes (que integran un dvd editado por la banda) son las que dan comienzo a “Maradona by Kusturica” siendo índice de la dudosa pertinencia y coherencia narrativa de lo que vendría luego. Más allá de la mera presencia de Diego, las escenas se suceden huérfanas de un trazo común que las reúna.

En desorientadora sucesión aparecen imágenes de “La noche del Diez”, el tren Anti-Bush a Mar del Plata (con otros integrantes como Evo Morales y Chávez), Maradona repitiendo alguna jugada en Belgrado junto al director y el testimonio de miembros de la Iglesia Maradoniana, sumados a un archivo visto hasta el hartazgo; el gol a los ingleses, jugadas en el Napoli y aquel infaltable registro de un Diego aun niño afirmando que su sueño era llegar a se campeón del mundo. En algunos casos Kusturica une con imágenes de sus películas la épica auto relatada por Diego durante distintas entrevistas. Este paralelismo resulta forzado y para colmo es subrayado por las metáforas de trazo grueso en off del propio director. De recursos más cercanos a un show televisivo que al documental, el retrato de Maradona por Kusturica se asemeja a un video de vacaciones, esas ensaladas de imágenes que se sirven para el deguste de los cercanos. Inclusive rebalsa de apariciones de amigos y familiares de ambos. La trascendencia de esas imágenes no supera la de la anécdota. Todavía recuerdo la presentación en Cannes, con Diego haciendo jueguito con lo que le tirasen. Todavía me acuerdo de Kusturica, cuando hacía algo parecido al cine.

Haciendo real el sueño imposible

2009-03-25T13:10:00.006-03:00

Los momentos

Street Spirit con el coro de la gente.

El pogo durante There There: "We are accidents waiting to hapen" a pleno.

Experimentar en vivo el baile de Thom Yorke: altera los sentidos y contagia con intensidad radioactiva. Drum & Baires.

Las miraditas entre Ed O´brien y Colin Greenwood hacia la gente como diciendo "Qué al palo que están estos pibes".

El zapatillazo.

Los gritos

"Chetos!" dirigido a los Kraftwerk de algún espectador indignado.

"Viste que vine, boludo?" en un momento Thom Yorke estaba demasiado cerca y se lo tuve que decir.

Destrucción

2009-03-22T20:39:00.018-03:00

Chris Cornell - Scream (2009)

Cumpliendo con esa vieja premisa que reza aquello de “quien avisa no es traidor” Chris Cornell aparece en la tapa de su último disco en impulso aéreo, a punto de destruir una guitarra eléctrica. Como queriendo exorcizarse de toda distorsión.

Scream se trata de composiciones desparejas que transcurren sin pausa ni descanso; cada track fluye en el siguiente. A los largo de las trece canciones se suceden innumerables sonidos y bases sampleadas de una elaboración y cocción que niega el crudo de los instrumentos grabados en vivo. Apelando al eufemismo, se podría hablar de un álbum experimental que apuesta a estribillos potentes en formato pop.

Chris Cornell y su elección de interpretar un álbum alejado del rock, abriendo su espectro a otros públicos y sonidos, recuerda a aquellos actores íconos del cine de acción que pasaron a protagonizar comedias familiares, acaso creyéndolo como un paso necesario en su carrera profesional. El resultado devuelve inevitablemente una imagen hecha añicos del artista, a la deriva luego de ese cambio de timón. El ícono se destruye en otro ámbito, se desintegra al entrar en ese offside de reconocimiento social, diría Oscar Steimberg.

Y es que estos experimentos resultan ser tan fallidos como olvidables.

Héroe, ebrio y perdido

2009-03-09T01:00:00.007-02:00

La piratería en sus diversas formas y el constante incremento de precio en la entrada de cine dio lugar a que los grandes estudios tomen como estrategia la realización de películas basadas en comics y superhéroes. Este intento apuesta por un despliegue de grandes efectos que devuelvan al espectador a vivir la obra cinematográfica en su elemento: la sala de cine. Así es como desde hace algunos años este género ha bombardeado la cartelera con innumerables títulos. Claro que en esta gran oferta se pueden encontrar grandes películas (“Batman Dark Knight”, ambas “Hellboy”) y de las otras (“Daredevil”, “Los Cuatro Fantásticos”, la última “Superman”). El caso de Hancock se presenta extraño ya desde su planteo; un superhéroe (Will Smith) que, con look de homeless, sobrevuela sin capa y ebrio la ciudad de New York metiendo la pata cada vez que decide intervenir contra los malos. Es entonces que se topa con un asesor de imagen que ve una inmejorable oportunidad en la devaluada figura de este raro superhéroe, obligándolo a hacer buena letra para reivindicarse con la gente. Si bien mantiene algunas convenciones del género como el drama existencial que subyuga al superhéroe (en este caso Hancok no recuerda su pasado por lo que desconoce su origen) promediando la trama la película pega un volantazo argumental deviniendo en un triangulo de amor bizarro. Y es que la película dirigida por Peter Berg es ante todo impredecible; manteniendo ciertos mandamientos del género no deja de asumir riesgos de los que sale siempre en un vuelo alto, en principio errante pero finalmente victorioso, como el del propio Hancock.

Onda Vaga

2009-03-08T19:41:00.007-02:00

Las canciones de los Onda Vaga nacieron en las arenas de Cabo Polonio, ciudad donde la única corriente es la del mar. De ahí su formación que prescinde de la electricidad: percusión, acústica, trompeta y canciones con voces a coro.

Sus letras son irresistibles himnos estivales en tono de mala vida, coloreados con guitarreadas de pantalones arremangados y hedonismo de hostel.

Trompetas que dan calor invocadas para los últimos capítulos de este verano: http://www.myspace.com/ondavaga

Estas igual!

2009-02-02T10:00:00.010-02:00

Micky Rourke - Klaus Kinski.

La capucha de jogging del primero simulando el casco conquistador del segundo. Ambas melenas caen, con mayor o menor cantidad de tintura, sobre los hombros escudados en el chaleco protector. La línea entre personaje y realidad se vuelve difusa.

Si no te pasan "cosas" (El nivel de abstracción es adrede) luego de ver "El Luchador" es porque sos un cyborg y todavía no te avisaron.

Androide Paranoide (Tomo lo que Encuentro)

2008-11-01T13:43:00.006-02:00

Temor automatizado e inseguridad de las cosas en la ópera prima de Gabriel Medina. Play. Paisaje de distorsión edificado sobre la aceleración punk de bajo y guitarra. La voz fantasmal de Fidel Nadal irrumpe para terminar de levantar la atmósfera pesada de “El Féretro” de Todos tu muertos. Daniel Hendler, en plano que lo muestra de cuerpo entero, se mueve, baila y por momentos parece tener aplicado en sus movimientos un efecto que acelera su velocidad. Se estira y encorva para ensayar un playback pantomímico al tiempo que la cámara se aproxima sigilosamente. A esa altura de Los Paranoicos, el acercamiento hacia Luciano Gauna (Hendler) ya lo ha retratado como un escritor que anima fiestas infantiles (con un traje similar al que usa “Boo” para camuflarse en Monsters Inc), vive solo y, por sobre todas las cosas, es inseguro. A pesar no tener compañía en su departamento esconde su marihuana en la boca de un gorila de plástico y sigue todo un ritual de simulación para poder fumar un porro. La forma en la que se desenvuelve y cada uno de sus actos se encuentran marcados por la automatización de la timidez, el rencor y la introspección. Como si fuera un androide paranoide. Del otro lado, el opuesto, esta su amigo Manuel (Walter Jakob) como un personaje que porta la pulcritud del éxito en su rostro, recibe llamados de su madre y ostenta esa seguridad canchera de aquel al que no le comprarías un auto usado. Acaba de llegar de España luego de triunfar con la serie de televisión “Los paranoicos”, historia que le parece muy “familiar” a Luciano Gauna. La película dosifica la información con respecto a las sospechas. Incluso la escamotea. Cuando los dos amigos hablan sobre el guión de LG un “Vos no lo leíste, no?” hacia Manuel alcanza. No hay interés en explicitar si Manuel ha explotado la idea de Luciano o si en realidad se trata de una paranoica conjetura de este último. Cuando la novia de Manuel (Jazmín Stuart) abandona la casa de sus suegros luego de descubrir a su suegra revisando su equipaje comienza su relación con Luciano. Si bien ya lo había visitado en acompañada por su novio, aquí comienzan a relacionarse; van a un restaurante, ceden, se ponen de acuerdo en tomar una cerveza. Luciano la encuentra cuando le llevaba Rivotril por consejo de Manuel, quien lo llamó entendiendo que “tendría algo para que la puede ayudar”. Sofía termina por instalarse en casa de LG donde deja de lado su marcado hastío y se desenvuelve con soltura. Entre anfitrión e invitada no hay histeriqueo, ni insinuación. Sobrevuela una tensión que es percibida cuando Sherman, amigo de LG, se va raudamente luego de una fugaz visita entendiendo que debía dejarlos solos. La escena en la que Luciano y Manuel juegan a la XBOX tiene todos los guiños del enfrentamiento gamer. A saber; la fascinación ante las posibilidades del colmo de empatía que brinda un videogame al permitir diseñar personajes con los rasgos del jugador, la verborragia impune tanto en victoria y como en derrota, así como el desquite virtual de esa bronca que muchas veces va a parar debajo de la alfombra. Y es en esta escena que la película decreta un ganador mediante el “mano a mano” de una pelea de box virtual. Los paranoicos tiene una selección de canciones del indie rock local a las que le da un lugar central, de vital significación a lo largo del relato. Los primeros acordes de “Amigo Piedra” de El Mató a un policía motorizado iluminan la escena en la que el departamento de LG ha quedado a oscuras, dejando en segundo plano las habladurías de Manuel. De hecho la escena no se corta hasta que el tema alcanza el estribillo y Daniel Hendler cierra respondiendo a los comentarios de su amigo: “No sé; yo estaba escuchando la canción”. La dulzura de Hamacas al Río suena de fondo en la cocina para colorear el acercamiento entre Luciano y Sofía. Y en la escena culmine de la película será tiempo del electro pop de Farmacia (en un cameo que sigue la línea de El Otro Yo en Silvia Prietto y Jaime sin Tierra en Nadar Solo) haciendo “Nada de nada”(“Me vas a re-enloquecer, estoy tan solo y vos no estas”) que detonará la aproximación definitiva entre Sofía y LG; el movimiento in crescendo de Hendler (del head up al descalabre anárquico a lo Ian Curtis) sumado al baile sensual de Jazmín Stuart son una soga que tensa hasta que surge una última mediación desesperada desde la oscuridad. Tomar lo que es de otro se dice que es traición, que es delito. A la vez, perder lo propio tiene que ver con un descuido o un exceso de confianza. No obstante, hay casos en los que esa desantencion no es más que el paso necesario para que el agua siga su cauce para llegar a un lugar mejor; donde pueda ser y estar. Así como una idea debe salir del cajoneo eterno para volverse emoción tangible. Igual que esa persona que llega (o se vá) en busca de un abrazo.

Todo eso se parece a las valijas de papá

2008-10-27T06:18:00.013-02:00

No fué de extrañar la gran demanda que hubo para las hermosas zapatillas del Team Zissou de Vida Acuática. El problema era que esas Adidas Rom no existían en el mercado para satisfacer el inevitable capricho fetichista. Antes, Wes Anderson vistió a Ben Stiller con un equipo de gimnasia vintage rojo también de las tres tiras en Los excéntricos Tenembaum. Después, ahora, vendrían las valijas Louis Vuitton de Viaje a Darjeeling. Este gusto por los objetos y las marcas es una de las continuidades que confluencian en la que es su quinta película.

Los hermanos Whitman son tres chicos ricos que se reencuentran, tras la muerte de su padre, a bordo de un tren con rumbo a una ciudad de la India. Francis (Owen Wilson) es el encargado del planeamiento, lo cual incluye un asistente contratado para programar las actividades diarias o decidir por sus hermanos lo que van a cenar. Jack (Jason Schwartzman), tal como lo hacía Margot Tenembaum, escribe relatos autobiográficos y Peter (Adrien Brody) lleva consigo distintos objetos que pertenecieron a su padre, incluyendo la carga de las benditas valijas.

En la relación de los hermanos se reproducen las conductas de desconfianza, envidia y celos habituales en los personajes de WA. El triángulo de los Whitman sólo permite las confesiones de a dos, para ser rotas al rato. Estas confidencias tienen en todos los casos una mujer como protagonista; Jack viene de un furtivo encuentro con su ex novia en Paris (una hermosa Natalie Portman, lo cual se relata en Hotel Chevallier, corto que oficia de prólogo), Peter recibe la noticia del embarazo de su esposa y Francis planea el reencuentro con mamá.

La logística de Francis esta apoyada en Brendan, quien diagrama las actividades diarias y las entrega en tarjetas, lo cual parece mera excusa para el despliegue de esa manía plano detallista sobre textos que Anderson practica desde Bottle Rocket. La afición por veloces paneos hacia los costados en noventa grados es otra constante, al igual que los paseos en travellings horizontales. Tampoco faltan otras puestas de cámara habituales en su filmografía como los encuadres con un marcado punto de fuga disparado desde el centro (como las caminatas de los Whitman a través de los pasillos del tren) ó los “cuadros dentro de cuadros”, donde pone en el centro del plano un recuadro con acción propia, tal como sucede en aquella escena en la que se puede ver un poco mas allá de la espalda de la camarera del tren gracias a un espejo apropiadamente encuadrado.

Wes Anderson suele utilizar la cámara en mano para escenas de tensión, como discusiones o peleas. En el caso de Viaje a Darjeeling, la pone en uso cuando otros tres hermanos cruzan peligrosamente un arroyo, a lo que suma filmar a ras del agua y utilizando algún zoom. Uno de los niños muere. “No pude salvar al mío” anuncia Peter, aquel que parecía todavía no poder superar la muerte de su padre, el mismo que tendrá un hijo. A partir de aquí quedan de lado las desventuras de los Whitman deviniendo la película en un relato de redención.

La representación del ritual velatorio indio al que son invitados se interrumpe, se sucede, con un flashback al viaje hacia funeral de su padre. La escena se construye en base a ser casi un negativo de lo visto hasta el momento; ya desde el negro del luto con el que están vestidos contra los tonos pastel de los trajes de verano que utilizan en Darjeeling, hasta en la unidad que hay entre los Whitman para ir a buscar un auto de su padre ó para enfrentarse a un camionero que increpó a uno de ellos.

Junto a sus hermanos en el aeropuerto, Francis se quita las vendas, recordando a los brazos cortados de Richie Tenembaum. Entonces se posterga la vuelta, las heridas aún no cerraron.

Mediando algunas excusas algo dudosas que terminan por ser ciertas, los Whitman se reencuentran con su madre (Angelica Houston), quien les anuncia que “El pasado existió, pero terminó”. Esta reunión tiene un carácter tranquilizador para los hermanos. Con “Play with me” de los Stones sonando, mamá los invita a un trip donde, en una sucesión que recorre en corte transversal distintas ambientaciones en un tren unidas por un travelling horizontal (aquel que utiliza brillantemente en la radiografía del submarino de Steve Zizzou), vemos a los personajes periféricos; Natalie Portman, la esposa embarazada de Peter, Brendan, la camarera india Sweet Lime e incluso Bill Murray cerrando su cameo, aquel con el que abre la película llegando a la estación a bordo de un taxi, mismo tipo de vehiculo que mató a Whitman padre.

A la mañana siguiente mamá Whitman desaparece. Los tres hermanos ahora confían entre sí. Es entonces que se permiten regresar como en un reinicio, donde vuelven a subir al mismo tren, con el mismo guarda versión india, pero sin el peso con el que llegaron y cargaron durante todo el viaje. Para volver a casa se han desprendido de esas valijas que, como "Viaje a Darjeeling", seducen por su gusto y elegancia, pero empalagan por su carácter redundante.

Tormenta Mental

2008-10-06T22:58:00.010-03:00

Imaginate ese día en el que una enorme nube someta al imponente desierto; cuando la arena que quema se devele frágil ante el arrebato de la tormenta y los espejismos se hagan realidad. Los granos envueltos en la indefinición del torbellino bailarán el ritmo dictado por el hipnotismo anárquico del bramido del viento. Será entonces cuando tierra y aire harán comunión en una danza que volverá al cielo aún más incierto.

Bueno, así es como suenan los Humo del Cairo. Yo que vos los escucharía.

La Cuerda Floja

2008-09-30T13:00:00.012-03:00

"Gorianopolis es el nombre con el que edité dos compilados de canciones. El primero lo grabé en el 2001 y el segundo en el 2007. Ambos fueron publicados en sitios web y están en libre disposición para que los bajen y copien"

Nótese que se evita utilizar el término "disco", las canciones llegan directamente a quien lo disponga. Si bien se sabe que la edición discográfica completa la obra, ofrecer material a través de esta vía es la excepción que refuta la regla de los fines comerciales de una grabación.

"La Cuerda Floja" es el nombre de la segunda aparición solista de Gori, viejo guerrero under, ex guitarrista Minoría Activa y Fun People (pasado hardcore del que heredó la corta duración de las canciones) y actual frontman (de que otra forma sino con ese look entre Faces y Brian Jones que ostenta) de Fantasmagoria, con quienes ya había incursionado en esto de la edición only free download con Clearence (2001).

Hablemos entonces de lo importante. Luego del acusticazo multicolor que entregó en su primer lanzamiento solista de nombre homónimo (disponible en www.mandarinasrecords.com.ar/), en esta oportunidad nos encontramos con cinco canciones. “A Veces” abre el disco como una marcha de bombo y palmas en tempo reducido que oficia a modo de intro de lo que será de ahí en más un viaje a bordo de una camioneta humeante a través de campos de algodón. Predomina un tono distendido y displicente, que encuentra su pico en la lírica de “Después Lo Hago”, oda a la parsimonia, celebración del ocio: “Tengo que hacer millones de cosas: copiarme un Cd, dejar de fumar”. Los rasguidos de guitarra, una tenue armónica y las teclas de piano que caen como dulces gotas son la compañía de ambientación bucólica a esa voz tan personal. Ideal para esas paradas de ruta en medio del campo o como soundtrack en horario de siesta de esas vacaciones en la que no nos pudimos ir a ningún lado, La Cuerda Floja complace delimitándose en espacio (http://gorianopolis.com.ar/) y tiempo; aquel momento en apariencia eterno del que nadie nos avisa cuando termina.

La Pose Actual

2008-07-14T01:42:00.005-03:00

Sábado a la noche rumbo a Plasma, un extraño oasis en el sórdido laberinto que representa el camino de Plaza Constitución hacia Barracas; mucha vereda angosta, contraluz y casa vieja para llegar a un primer piso tan paquete como chico, con sillones y mesitas de diseño, lista de precios a tono y una hermosa ex compañera de la facultad en la barra. El año pasado, los Jacksons Souvenirs tuvieron una sola presentación en vivo que fue en diciembre. Por suerte en el presente 2008 la mano parece estar cambiando. Con Sebastián Kramer como accidental frontman y sin su bajista hicieron un set breve que oscilaba entre aceleraciones melódicas de marcha cansina y paseos a bordo de un colchón cósmico que parecían hacer girar la bola disco del techo del local. Un malentendido con la gente de sonido, una pista que nunca era la correcta y la excusa de que ya no había tiempo significaron el abrupto stop para lo que ya era la explosión volcánica de los Jacksons. Quiero verlos otra vez. Mientras Kramer y compañia enrollaban cables y desenchufaban instrumentos, los Sub 20 de Banda de Turistas aguardaban a que su plomo les dejase todo en orden para salir a escena. A puro hype, son los nenes mimados del momento. A la hora de verlos y escucharlos en vivo los machaques guitarreros insistentes y la verba entonada con desgano evidenciaban la referencia babasónica. El flaco de la guitarra principal tenia bien aprendida las lecciones de Mariano Roger, emulaba sus movimientos y posturas a la perfección, incluido aquel tic de apoyar la viola sobre el muslo para tocar encorvado. A la derecha del escenario en segunda guitarra y coros, un Brian Jones en versión Cartoon Network aportaba agite y falsete marca Tuñon y era el encargado de cantar “Todo mío el otoño”; lo más cercano a un tema de Los Gatos, pero hoy y acá. Los teclados ayudaban a disimular la simpleza de la mayoría de las canciones, salvo algunos casos donde despegaban en intenso ascenso instrumental. Los pibes suenan bien, tienen en su haber algunas canciones como “Un verdadero cajón de madera” o “El Canto” y portan una buena presencia escénica. Como una postal, Bruno Albano (voz y bajo) miraba al vacío con los ojos bien abiertos asomándose entre su flequillo despeinado prolijamente hacia adelante. Flash.

El Hombre y el Comuñe

2008-06-12T18:18:00.020-03:00

From: Cecilia C
To: Aldo M
Subject: nueva version!
Date: Thu, 12 Jun 2008 13:20:49 -0300

Lo comprarias para tu colección?...

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RE: nueva version!‏
De: Aldo M

Enviado:jueves, 12 de junio de 2008 09:01:25 p.m.

Para: Cecilia C

mmm... no.
No me gusta que lo pretendan estilizar con esa capa y colitas vikingas. Le quieren dar una onda premoldeándolo con un estilo de aventuras épicas fantásticas siendo que He man era un mundo propio, un desecho de un proyecto de dibujos animados de "Conan el Bárbaro" que quedó abortado cuando los productores se enteraron que en esa película había sangre y minas en tanga.

Entonces el dibujito quedó así: con el príncipe Adam luciendo ese peinado bala y trajecito ídem, para luego mutar en un Mr. Hyde de esteroides y cama solar, mucho más cerca de los Gladiadores Americanos que del Conan ése.

Todo esto sin contar ese universo de chiches futuristas, personajes de nombre genéricos como "Man at Arms" y villanos entrañables (nunca ví un malo tan bonachón como Skeletor) que era Eternia.
Y no olvidemos las esopianas moralejas del final de cada episodio.
Ya el año pasado, Michael Bay mostró a Optimus Prime (sintesís del líder positivo y respetado, la honorabilidad hecha Transformer) prendido a las paredes de una casa, ocultándose de los padres de un adolescente. Basta de sacrilegios.
He-Man no se mancha.

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¿Qué se puede hacer salvo ver a Los Natas?

2008-04-26T11:49:00.017-03:00

Crónica realizada originalmente para Recis!, sitio con el que suelo colaborar en su cobertura de la escena de rock independiente local.

Dos obras imprescindibles del rock y del cine como son, respectivamente, The Dark Side of the Moon y The Wizard of Oz (en su versión dirigida por Victor Fleming, 1939) se encuentran unidas en un viejo mito. Se dice que se le debe dar play al disco de Pink Floyd a partir del segundo rugido del león de la MGM para que todo sincronice; tanto letra como música coincidirían con las imágenes de la película. Por ejemplo, la escena donde la bruja del norte cuenta monedas de oro sucedería al ritmo de “Money”. Todo habría sido adrede por parte de Roger Waters y companía.

Lo improbable de esta supuesta intencionalidad radica en que los trips detonados por la alteración de los sentidos trascienden la idea de asociación, siendo sintonía pura. La visión estimulada como unificación de distintos incentivos en una única experiencia.

En su Motoclub Vol. II, Los Natas sumaron un estimulo visual al habitual sonoro, llevando a cabo una performance de rutas, motos y viaje como tema, transformando por unas horas a Niceto en un humeante cineclub.Cerca de las 22.30 se corrió el telón y comenzó la función. Peter Fonda y Dennis Hooper avanzaban en sus motos por la pantalla ubicada detrás de los Tres Hombres, que abrían el show ejecutando su habitual “introvizacion”. Las escenas correspondientes al viaje de ácido en Easy Rider se retroalimentaban con la música, como en una redundancia cíclica e hipnótica de un pulso chamánico del que ya no habría vuelta atrás.

Los estertores salvajes, primales de “El Cono del Encono” parecían ser bendecidos por el primer plano de un Peter Fonda en trance. El recital apenas comenzaba cuando el hermoso travelling de la escena final de este clásico de culto, ascendiendo desde una motocicleta en llamas, dió lugar a que “Humo Negro” se vuelva cortina de los créditos finales.

Death Proof (última película de Quentin Tarantino, sin estreno en Argentina) fue lo que siguió en la programación. La magnética aparición del Topo (voz del proyecto paralelo Santoro, ex bajista de Massacre) como cantante y showman invitado acompañó dibujando siluetas de señoritas en “El Bolsero”, al tiempo que una morocha infartante brindaba un sinuoso baile desde la pantalla.

Así como en las películas, un buen show de rock también debe tener su clímax. Este momento, que marca el pico sensitivo de la obra, habitualmente es representado hacia el final. En el cine ocurre con el desenlace del conflicto y en el rock con la banda cerrando el show con su canción más significativa. El de este recital no ocurrió en su último tramo, ni tampoco se correspondió con una escena del término de la película, pero cumplió con todas las premisas sensoriales del caso. Kurt Russel apuntando su Chevrolet Nova en línea recta hacia unas chicas ruteras que viajaban gozando del tracklist de su estéreo, era anuncio de que la velocidad aumentaría hasta un irremediable desenlace. Una pierna amputada por el choque que cae sobre el asfalto y la goma del auto deformando el rostro de la morocha parecían encontrar en “Que Rico” la síntesis de la degustación gore de un público que festejó la escena con ovación y aplausos.

Casi como en una extensión del BAFICI, la salida de Niceto encontró una muchedumbre recordando escenas, preguntando títulos y solicitando copias. Al mismo tiempo Los Natas regresaban a camarines luego de un intenso viaje, acompañados por el sonido del eterno latido de hélices que abre Apocalypse Now como fondo. El telón ya había cerrado.